DB: A instalação usa ondas acústicas para espelhar as vocalizações e a ecolocalização das baleias. Como você imagina essas vibrações chegando ao visitante?
BB e DK: Gostaríamos que a experiência sonora fosse audível, visual (ver: a coreografia da linguagem de sinais) e – em momentos selecionados – sentida fisicamente no corpo, tal como as baleias experimentam o som na água. O efeito pretendido é inspirado em fenómenos acústicos subaquáticos que correspondem às sensações evocadas pelas vocalizações e ecolocalização dos cetáceos, e que também se aproximam das experiências dos surdos, que percebem as ondas sonoras através da vibração. Nosso objetivo é que as ondas que aparecem em momentos específicos sejam envolventes e não agressivas. As soluções estão atualmente em fase de projeto, com consideração cuidadosa ao impacto das ondas sonoras nos organismos vivos e no ambiente circundante.
ensaiando coreografias submersas para o pavilhão da Polônia
DB: Você está combinando cinematografia, linguagem de sinais, gravação subaquática e coreografia. Qual meio se mostrou mais resistente e qual abriu novas portas conceituais?
BB e DK: Trabalhamos por meio de conexões e intertravamentos. Cinematografia acima e abaixo da água, canto coral e música eletrônica, coreografia, linguagem de sinais e fônica – essas mídias se encontram e dialogam entre si. O projeto é multifacetado: combinamos as potencialidades e linguagens de diferentes ferramentas, ao mesmo tempo que exploramos as possibilidades e capacidades da sua transformação, distorção e, acima de tudo, amplificação e empoderamento. É nos pontos onde estas qualidades se encontram, e dentro da sua relacionalidade, que emergem as descobertas e portas conceptuais mais convincentes. Esta abordagem alinha-se com o tema abrangente do fluxo, fluidez e conectividade dentro da diferença, através da escuta mútua.
os artistas se movem coletivamente, inspirados por cardumes de peixes e ritmos corporais compartilhados
DB: O tema da Bienal de 2026 centra-se nas “tonalidades menores”, registros delicados que muitas vezes são ignorados. De que forma você vê Liquid Tongues operando em tom menor e de que forma é desafiadoramente alto?
BB e DK: EUNo seu conceito curatorial para a Bienal 2026, baseado na metáfora musical das ‘tonalidades menores’, Koyo Kouoh convida-nos a um encontro contemplativo com o que é delicado e esquecido no dia a dia – vozes calmas, narrativas negligenciadas, micromemórias. Ela nos encoraja a desenvolver formas sutis de resistência, a criar novos relacionamentos, experimentos sensíveis, a construir partituras polifônicas de comunidades que ouvem, sentem e ressoam umas com as outras. A Liquid Tongues desenvolve esta ideia, tentando romper o que imaginamos ser os limites da comunicação e criar comunidades subjectivas de ouvintes e surdos, tendo em conta diversas perspectivas. Esta versão proposta do futuro também considera uma perspectiva animal.
As agora lendárias gravações de Roger Payne, Songs of the Jubarte Whale, de 1970, levaram à proibição da caça às baleias e trouxeram esses animais de volta da beira da extinção. A complexidade dos seus sons fez-nos perceber a sua inteligência e sofisticação cultural. Esta história mostra o poder das vozes resgatadas transmitidas através da arte.
A narrativa da instalação será baseada em contos de perda e esquecimento, reconstruindo e criando uma nova realidade. Esta é a história do trabalho de Payne e o significado de suas gravações. É uma coleção nova e inédita (ou talvez antiga e renascida) de centenas de jubartes solitárias na costa oeste da África. É a criação de obras sobre o qilaat – um tambor ritual dos habitantes nativos da Gronelândia – embora ninguém conheça o seu som antes da sua brutal colonização. É um trabalho para restaurar o Hand Talk – Linguagem de Sinais Indiana das Planícies – a linguagem de sinais universal dos habitantes nativos ouvintes e surdos das Grandes Planícies da América do Norte. Estas histórias permitem-nos, apesar de tudo, pensar na reconstrução do mundo que nos rodeia.
Esboços de vídeo – Bogna Burska, esboços de vídeo para ‘Línguas Líquidas’ | imagem de Magda Mosiewicz, artistas: Bogna Burska, Daniel Kotowski, cortesia dos artistas
Defiably Loud baseia-se no conceito de Deaf Gain, que vê a surdez não como uma deficiência, mas como uma identidade e cultura, oferecendo perspectivas e potencialidades únicas. Deaf Gain transforma ser surdo de uma perda em um ganho, mostrando como as pessoas surdas contribuem para a diversidade do mundo. Essa abordagem também tem suas vantagens para pessoas ouvintes. Em vez de perceber a surdez como algo a ser consertado ou tratado, ela é vista como uma característica que pode dar uma contribuição única e ser vantajosa para a sociedade. A surdez é frequentemente descrita como viver num “mundo de silêncio”. No entanto, a assinatura pode ser enérgica, expansiva e até agressiva; sua intensidade muda do som para a visão. Na perspectiva do Deaf Gain, o volume não precisa estar vinculado à voz fonética – é uma forma de afirmar presença. O projeto também inclui gritos fonéticos e vozes de surdos, mas estes são apresentados em seus próprios termos, fora das hierarquias fonocêntricas.
Choir in Motion, grupo que se apresenta na tela, é um coro social experimental com história própria, combinando música, performance, artes visuais e prática espacial. O grupo sobreviveu à perda da sua casa – a instituição cultural fundadora onde se desenvolveu ao longo de vários anos – emergindo como uma iniciativa de base de criatividade e acção partilhadas. Nascido no início de 2024 a partir desta energia social, o Choir in Motion é uma iniciativa auto-organizada e aberta que sustenta a sua comunidade – uma comunidade que procura actuar, agir e falar em conjunto, ao mesmo tempo que permanece receptiva a novas vozes e perspectivas. Revolt of the Deaf: Renewal, dirigida por Bogna Burska e com curadoria de Daniel Kotowski (Zachęta, 2025), é uma peça onde Choir in Motion apareceu pela primeira vez em um conjunto fônico/linguagem de sinais (auditores e surdos). A peça falava de problemas de comunicação, línguas universais e da revolta dos estudantes surdos em 1988 na Universidade Gallaudet. Ao trabalhar nesta peça, foi criada uma comunidade notável de pessoas surdas e ouvintes, além das barreiras linguísticas.
Liquid Tongues explora a comunicação além da linguagem fonética | imagem de Magda Mosiewicz, artistas: Bogna Burska, Daniel Kotowski, cortesia dos artistas
DB: O projeto trata de línguas marginalizadas e de comunicação mais que humana. Que tipo de futuro parece possível quando paramos de assumir que a linguagem deve ser falada e humana?
BB e DK: Quando deixamos de assumir que a linguagem deve ser falada e/ou humana, abrem-se futuros pós-antropocêntricos inteiramente novos, nos quais os humanos já não se vêem como uma espécie excepcional ou dominante. Essa perspectiva nos permite perceber como os seres biológicos não humanos se comunicam e interagem de maneiras ricas e complexas.
Também nos permite imaginar que as normas que tomamos como certas em torno da língua – especialmente aquelas que surgem de hierarquias fonocêntricas, tais como o que conta como uma língua “própria”, quem fala, quem tem permissão para falar e quem é ouvido – podem, dependendo do contexto, mudar ou falhar. O que é considerado uma incapacidade ou perda de uma perspectiva dominante, pode tornar-se uma fonte de força e ganho – um ganho partilhado.
Ao prestarmos atenção à comunicação não verbal e mais que humana, podemos explorar as possibilidades de linguagens multissensoriais, não lineares e coletivas, criando futuros em que a comunicação seja mais inclusiva e relacional, ao mesmo tempo que seremos sensíveis a diversos ecossistemas.
