suavidade como método de interdependência e reciprocidade
Nos últimos meses, o capítulo editorial do designboom Suavidade Radical explorou arquitetura, arte, design e tecnologia através das lentes do cuidado, atenção, vulnerabilidade, reparo e sensibilidade ecológica. Em vez de enquadrar a suavidade como fraqueza, o capítulo apresentou-a como uma força cultural e política. Entre entrevistasensaios e projetos, surgiu uma questão comum: que tipos de futuro se tornam possíveis quando priorizamos a escuta, a reciprocidade e a interdependência em vez da velocidade e do controle?
Ao longo deste capítulo, voltamos repetidamente à ideia de que a suavidade começa com a atenção. Não uma observação passiva, mas uma prática deliberada de escuta. Em todos os projetos do Bienal de Arte de Veneza, Semana de Design de Milãoe além, artistas e designers perguntaram o que se torna possível quando desaceleramos o suficiente para ouvir ritmos que muitas vezes passam despercebidos.
em Veneza, Simone Post suspende lustres de doces em todo o Palazzo Contarini Polignac | imagem por OKNO Studio
uma prática ativa de atenção e cocriação
Seja através das paisagens sonoras exploradas por Yuko Mohrios rituais de respiração incorporados no dispositivo de Jiumo Wang para crianças, ou a atmosfera contemplativa do Pavilhão da Santa Séa escuta surgiu como forma de cuidado. Estes projetos sugeriram que a própria atenção pode ser transformadora. Numa cultura definida pela aceleração, a suavidade radical propõe outro ritmo.
Um dos fios mais fortes do capítulo foi o desejo de descentrar a perspectiva humana. Em vez de tratar a natureza como pano de fundo, muitos colaboradores abordaram plantas, insectos, micróbios, sistemas climáticos e animais como colaboradores com as suas próprias formas de acção. O resultado foi um conjunto de trabalhos que desafiou as hierarquias familiares e incentivou formas mais recíprocas de pensar sobre a coexistência.
Anicka YiAs reflexões de Bielorrússia sobre o tempo microbiano abriram uma conversa sobre escalas da vida que muitas vezes permanecem invisíveis. Aki InomataAs colaborações de longa data com criaturas vivas questionaram ideias de autoria e propriedade, enquanto Almudena Romero trabalhou com culturas vivas para criar fotografias moldadas por processos ecológicos. Em Rootfull’s experimentos biotêxteis, o próprio crescimento tornou-se uma ferramenta de design. Juntos, estes projetos expandiram os limites da prática criativa e sugeriram que o futuro pode depender de aprender a participar em vez de dominar.
‘Por que não entregar um ‘abrigo’ aos caranguejos eremitas?’ -Border-, Aki Inomata, 2009- (em andamento) | imagem cortesia de Aki Inomata
suavidade radical prioriza reparo, resiliência e renovação
A reparação apareceu repetidamente ao longo do capítulo, não apenas como uma solução técnica, mas como uma atitude cultural. Em contraste com os sistemas que priorizam a substituição e o consumo constante, muitos dos profissionais apresentados concentraram-se na manutenção, administração e cuidados. O seu trabalho reconheceu que as coisas muitas vezes ganham significado através do uso, desgaste e transformação.
Victoria Yakusha explorou a relação entre memória, conhecimento material e cura através de móveis e interiores enraizados nas tradições locais. Método de estúdio trouxe reparos diretamente para o espaço público por meio de uma oficina itinerante projetada para atender as comunidades. Jean Shin transformou cerâmicas fraturadas em reflexos poderosos sobre resiliência, enquanto Moffat Takadiwa deu aos materiais descartados uma nova presença através de paisagens monumentais tecidas. Esses projetos não tentaram apagar os danos. Em vez disso, revelaram as histórias, o trabalho e as histórias incorporadas nos atos de restauração.
carrinho de reparos itinerantes do método Studio pergunta o que o design pode fazer pelas comunidades locais | imagem de Lorenzo Bondavalli
carregando suavidade em corpos, emoções e intimidade
Muitas das obras mais memoráveis do capítulo focaram nas realidades emocionais do ser humano. Num momento em que os sistemas tecnológicos e sociais muitas vezes recompensam a distância, a eficiência e a otimização, estes artistas abraçaram a vulnerabilidade, o prazer, a incerteza e o afeto. O trabalho deles nos lembrou que a suavidade pode ser profundamente incorporada e emocionalmente complexa.
Lisa Yuskavagesuas pinturas convidavam à contemplação prolongada através da cor e da atmosfera. Íris van Herpen confundiu as fronteiras entre moda, escultura e experiência sensorial, criando ambientes que pareciam se mover com o próprio corpo. Bethan Laura Madeira explorou as dimensões emocionais da cor, enquanto Geórgia Smedley reconsiderou os rituais cotidianos através de objetos projetados para aproximar as pessoas. Em outro lugar, Erwin Wurmas figuras estranhas exageraram a estranheza e a ternura da presença física, transformando o corpo em algo simultaneamente engraçado e frágil.
Lisa Yuskavage, A alegria de pintar, 2025 | imagem cortesia do artista e David Zwirner
projetos e designers destacam trabalho comunitário e de cuidado
As questões de cuidado iam muito além do indivíduo. Repetidamente, os artistas refletiram sobre a responsabilidade coletiva, a interdependência e o trabalho emocional necessário para sustentar as comunidades. Em vez de apresentarem os cuidados como algo sentimental, estes projectos trataram-nos como uma forma de infra-estrutura política e social.
Jr.A tapeçaria monumental reuniu centenas de participantes numa imagem partilhada de presença colectiva. Ei Arakawa Nash abordou o cuidado por meio da ludicidade e da repetição, utilizando bonecos para criar uma atmosfera que transitava entre o absurdo e a ternura. As esculturas em corda de LR Vandy exploraram o trabalho, o movimento e a resistência colectiva, enquanto os artistas ucranianos reflectiam sobre a alegria e a vulnerabilidade no meio da incerteza. Através destas obras, a suavidade emergiu não como um retiro, mas como uma forma de permanecer conectado durante períodos de instabilidade e mudança.
