Iris Van Herpen traz sistemas vivos para a alta costura
Iris Van Herpen: Esculpindo os Sentidos traz a marca da designer holandesa alta costurapesquisa de materiais e colaborações com a ciência no Museu do Brooklyn como o exposição estará em exibição de 16 de maio a 6 de dezembro de 2026.
designboom participou de uma prévia do show, onde Iris Van Herpen conduziu um passeio pelas galerias, falando sobre suas inspirações nos mundos micro e macro, juntamente com seu processo de transformar experimentos materiais em esculturas complexas e usáveis.
Visto pelas lentes de Suavidade Radicala exposição chega com força através de sua atenção ao toque e à interdependência. Sua força vem do trabalho paciente por trás de cada peça, onde o trabalho manual, a tecnologia e os sistemas naturais são mantidos em troca ativa.
Vestido Henosis, coleção ‘Roots of Rebirth’, 2021, Iris Van Herpen Atelier. todas as imagens © designboom
do mundo microscópico para o macroscópico
Iris Van Herpen: Sculpting the Senses, do Brooklyn Museum, é organizado pelos temas naturais nos quais a designer holandesa se inspira. Abre com água, que ela descreve como “a origem da vida”. ‘É o material mais vital que temos no nosso planeta,‘ ela observa.
A partir daí, as galerias passam do mundo microscópico para o macroscópico, construindo uma sequência que liga a vida celular, as estruturas marinhas, a anatomia, a consciência e a escala planetária. Esse movimento confere ao espetáculo um ritmo solto de expansão, com cada sala ampliando a noção do corpo de onde o design pode começar.
É aqui que Iris Van Herpen se sente especialmente alinhada com o tema da Suavidade Radical. Seu trabalho trata o corpo como parte de uma ecologia mais ampla, moldada pela água, pelo ar, pelo som, pelos sonhos e pelo crescimento mineral. ‘A essência do meu trabalho é encontrar essa conexão mais profunda com a natureza,‘ ela continua, ‘e sentir que fazemos parte de algo muito maior, como a interconexão de todas as camadas da vida.‘
As vestimentas traduzem esse pensamento sem grandes explicações. Eles pairam ao redor da figura, ramificam-se pelo tronco, afastam-se da pele e sugerem que vestir-se pode ser um ato de sentir o próprio lugar dentro de um campo mais amplo.
Vestido Seijaku, da coleção ‘Seijaku’, 2016, Iris Van Herpen Atelier
Alta-costura como estado de atenção
Ao longo da exposição, as silhuetas de Van Herpen parecem quase sem peso, mas os processos por trás delas são intensamente físicos. Durante o passo a passo, ela falou sobre começar com o material antes da silhueta.
‘Quando começo a trabalhar em uma coleção, muitas vezes começo a trabalhar primeiro nos materiais,‘ ela explica. ‘Antes mesmo de começar a pensar em silhueta ou movimento, começo pelo material.‘Essa ordem é importante, pois as roupas parecem crescer a partir do comportamento material, com suas formas emergindo através de dobras, camadas, cortes, costuras e tradução digital.
A apresentação do Brooklyn Museum inclui mais de 140 criações de alta costura exibidas ao lado de arte contemporânea, objetos de design, artefatos científicos e espécimes de história natural, incluindo corais, fósseis e esqueletos.
A mostra também inclui uma evocação do ateliê de Van Herpen, abrindo o lado tátil da criação de alta costura dentro de uma exposição mais ampla sobre a ciência e o corpo no espaço. Aqui, estudos de materiais e amostras servem de pano de fundo para modelos em escala física, e os visitantes são convidados a olhar através de microscópios para observar de perto as inspirações sobrenaturais do designer.
Vestido esqueleto, da coleção ‘Capriole’, 2011, Iris Van Herpen Atelier
Trabalho manual e tempo
O processo de Van Herpen coloca técnicas de alta costura mais antigas em contato com ferramentas digitais, novos materiais e fabricação experimental. Ela falou sobre a história do artesanato com muito carinho, descrevendo a alta-costura como uma linguagem em evolução. Para ela, as técnicas históricas ganham nova energia quando se encontram com ferramentas e materiais atuais. O diálogo dá à alta-costura uma sensação de continuação, onde a habilidade avança através do uso.
Essa ideia surgiu mais diretamente quando ela descreveu o trabalho manual como um estado meditativo. ‘Eu crio meu melhor trabalho quando estou fazendo artesanato,‘ ela diz. ‘Funciona muito bem quando estou no processo de produção, porque o tempo passa mais devagar e você fica com a mente mais clara.‘
Nas galerias, essa desaceleração é visível nas superfícies. Algumas peças carregam a precisão da imagem científica, enquanto outras parecem moldadas pela respiração ou pela corrente. A suavidade aqui é disciplinada, construída através da repetição e da atenção em vez da frouxidão.
R-Evoluzione, 2014, Enrico Ferrarini (esquerda). Vestido Bene Gesserit, visual personalizado para Grimes, 2021, Iris Van Herpen Atelier (à direita)
Sonhar como ferramenta de design
A exposição também traça o interesse de Van Herpen pela percepção alterada. Ela falou sobre meditação, sonhos lúcidos, hipnose e uma forma leve de sinestesia, onde a música pode aparecer para ela como um padrão. Essas experiências entram no trabalho como ferramentas práticas de design.
‘Eu uso os sonhos lúcidos como uma ferramenta para explorar padrões que depois traduzo em roupas,‘ ela nos conta. Nesse sentido, o sonho é tratado com rigor de estúdio. Torna-se uma forma de testar o movimento, a superfície e a estrutura antes de entrarem na forma material.
Isto confere ao trabalho de Iris Van Herpen uma intimidade particular. As peças de vestuário podem contar com uma fabricação avançada, mas muitas vezes começam com uma experiência interior: um som visto como padrão, um sonho lembrado como movimento, um material manuseado até começar a sugerir sua própria direção. A paisagem sonora da exposição de Raça Salvador aprofunda esse campo ao envolver as roupas com uma camada sensorial que torna a percepção parte da exibição.
Vestido Hydrozoa, coleção ‘Sensory Seas’, 2020 (esquerda). Arachne Bodice, coleção ‘Meta Morphism’, 2022 (à direita), Iris Van Herpen Atelier
Do esboço ao arquivo e à peça de roupa
Van Herpen também descreveu o caminho técnico por trás da padronização complexa. O estúdio geralmente começa com um esboço físico em escala real de um vestido básico. Esse esboço é então traduzido em arquivos de computador, especialmente quando o bordado precisa se tornar um padrão técnico. A partir daí, ela pode ajustar digitalmente a superfície e a silhueta. O processo se move para frente e para trás entre a mão e a tela, mantendo o corpo presente mesmo enquanto a roupa passa pelo software.
Esse vaivém é uma das lições de design mais atraentes da exposição. A tecnologia aparece aqui como uma forma de ampliar o toque, em vez de substituí-lo. As ferramentas digitais ajudam a transformar um gesto desenhado à mão ou modelado fisicamente em uma superfície complexa. As peças finais guardam traços de ambos os métodos, com a precisão do cálculo e a sensibilidade da alta-costura compartilhando a mesma vantagem.
