ambientes pneumáticos e a política da impermanência
Inflável ambientes, instalações atmosféricas, membranas suspensas e estruturas pneumáticas ressurgem persistentemente em museus, bienais, galerias e espaços públicos, muitas vezes reaparecendo em momentos marcados por instabilidade, exaustão e mudanças nas condições sociais, mas quase sempre gerando uma sensação peculiar de admiração e leveza. As formas flutuam acima das cabeças dos visitantes, pulsam com o ar circulante ou se dissolvem na neblina, transformando a própria atmosfera em algo tátil.
Dos ecossistemas aéreos de Tomás Saraceno e da prolongada vida após a morte de Diller Scofidio + RenfroDesde Blur Building até os experimentos radicais de Ant Farm, Haus-Rucker-Co, Hans-Walter Müller e a coreografia flutuante de RainForest de Merce Cunningham, artistas e arquitetos retornaram repetidamente ao ar como material e método. Invisível mas infraestrutural, imaterial mas capaz de reorganizar a percepção, o comportamento e as relações sociais, o ar torna-se paradoxalmente físico uma vez contido. Esticado através de membranas, preso dentro de películas de vinil, suspenso em envelopes arquitetônicos e circulado através de sistemas pneumáticos.
A exposição de Gagosian dedicada a Christo e Jeanne-ClaudeOs trabalhos pneumáticos de s estão centrados no pacote de ar no teto, há muito não realizado, de 1968, uma vasta membrana suspensa pairando logo acima da cabeça dos visitantes, transformando o ar em arquitetura e destacando as condições instáveis necessárias para sustentá-lo. Organizada em torno da ideia do ar como invisível, intangível e essencial, a exposição revisita o momento em que os objetos embrulhados evoluíram para ambientes atmosféricos. O valor não emergia mais apenas do objeto em si, mas de atos de contenção, tensão, suspensão e transformação temporária, trabalhos que propunham uma condição espacial baseada na instabilidade, na percepção, na capacidade de resposta e no encontro.
Até o corpo começou a se comportar pneumaticamente. No Met Gala, vestido Airo de AA Murakami para Íris van Herpen lançou fluxos de bolhas frágeis que pairaram brevemente antes de desaparecer.
O fio que conecta esses projetos distantes não é simplesmente uma linguagem estética compartilhada de infláveis ou suavidade, mas uma perspectiva alternativa de como o espaço se comporta. Essas estruturas flutuam, cedem, pairam, enrugam-se, colapsam e inflam novamente, resistindo à fixidez. Eles dependem do clima, da pressão, da manutenção, da atenção coletiva e da negociação contínua para permanecerem vivos. O ar só se torna perceptível através da contenção, e estes trabalhos expõem repetidamente o quão frágil é realmente essa contenção.
Andy Warhol. Nuvens Prateadas [Warhol Museum Series]1994, reimpressão 1994. Filme plástico metalizado cheio de hélio (scotchpak), Balão plano: 88,9 x 132,1 cm; Inflado: 81,3 x 121,9 x 38,1 cm. Museu Andy Warhol, Pittsburgh. © Fundação Andy Warhol para as Artes Visuais, Inc. / SOCAN (2021). Vista da instalação, Andy Warhol, 21 de julho de 2021 – 24 de outubro de 2021. Galeria de Arte de Ontário. Foto © AGO
construindo com ar: quando as estruturas aprenderam a respirar
Em Silver Clouds (1966), de Warhol, almofadas gigantes cheias de hélio balançam logo acima da altura da cabeça, suas peles espelhadas refletindo luz. Os espectadores os perseguem de brincadeira, cada colisão soando um suave ‘fup’ ou ‘bouf’ enquanto uma nota curatorial se maravilhava. Estas formas flutuantes parecem dissolver-se no espaço. Numa memória vívida de 1968, Merce Cunningham soltou dançarinos nesta nuvem de balões de Warhol para RainForest, uma cena de capricho anárquico. Nem o dançarino nem o objeto seguem uma batida fixa. Ao simplesmente conterem o ar, estas obras tornam-no visível e imprevisível.
Nessa mesma época, arquitectos e artistas abraçaram “edifícios aéreos, visões nómadas”, como a contracultura os chamava. O grupo vienense Haus-Rucker-Co, por exemplo, criou capacetes vestíveis e câmaras infláveis que transformaram ginásios em espaços sobrenaturais, moldando um momento de percepção alterada por meio desses ‘arquitetura inflada e apêndices vestíveis… projetados para alterar as experiências sociais e perceptivas dos participantes’. Na costa oeste dos EUA, o coletivo Ant Farm oferecia travesseiros gigantes de náilon e cúpulas infláveis para festivais de rock e eventos ecológicos. O ‘travesseiro’ inflável de 15 x 15 metros da Ant Farm tornou-se um palco para apresentações do Dia da Terra, e seus anúncios de guerrilha em zines ostentavam ‘edifícios aéreos’ personalizados prontos para serem implantados. Esses antiedifícios encorajavam a participação: qualquer um poderia costurar lonas plásticas e conectar um ventilador.
Ant Farm até publicou por conta própria o Livro de receitas inflato (1971), um manual do tipo faça você mesmo, abrindo informações sobre estruturas infláveis para quem quiser. O efeito pessoalmente foi revelador, enquanto os espectadores vagavam pela grama ou pelo deserto, um filme de 16mm mais tarde os mostrou em delírio entre gigantescas almofadas pulsantes. Os primeiros infláveis criaram ambientes fluidos e amorfos, onde as pessoas riam e relaxavam sob formas parabólicas. Formas suaves flutuavam caprichosamente, respondendo ao vento, ao calor e ao toque humano. Eles rejeitaram explicitamente qualquer noção de um “monumento” eterno, operando em vez disso como experiências coletivas e improvisadas.
nevoeiro, pressão e o desaparecimento do monumento
Christo e Jeanne-Claude, mais conhecidos por embrulhar ilhas e monumentos em tecido, também brincaram com o ar. Em 2013, Christo inflou um “envelope” de náilon branco de meio milhão de pés cúbicos dentro de um gasômetro desativado na Alemanha. Dois leques gigantes mantinham o balão de 90 metros de altura em pé, para que os visitantes pudessem passar pelas câmaras de descompressão até sua brancura perolada. Por dentro, o mundo parecia suavizado e colossal; Christo descreveu-o como um vasto banho de luz, dizendo que quando finalmente foi instalado, ‘o tecido transporta muito a luz. Você está praticamente nadando na luz’. Nesta nuvem do tamanho de uma catedral, o próprio ar era a estrutura. É claro que precisava de manutenção constante, os técnicos monitoravam a pressão e, sem os ventiladores, simplesmente entraria em colapso, mas essa mesma fragilidade tornou-se o seu ponto principal. O ar fez todo o trabalho, transformando o pavilhão em uma forma flutuante.
Uma década antes, Diller Scofidio + Renfro havia explicitado essa lógica com Blur Building (2002). Construído para a Expo.02 em um lago suíço, o Blur era literalmente uma estrutura de aço que bombeava chuva: 35.000 bicos de água fina pulverizavam um banco de neblina contínuo. Os arquitetos a descreveram como uma arquitetura de atmosfera pura. Da rampa, o público subia para uma névoa branca onde a visão e o som desapareciam: ‘todas as referências visuais e acústicas foram apagadas’ naquele convés enevoado. Na plataforma só se encontravam ruídos brancos e os próprios passos. Entrar no Blur foi como entrar em um meio habitável, uma névoa que estava ‘sem forma, sem características, sem profundidade, sem escala, sem massa, sem superfície e sem dimensão’. O movimento interno não era estruturado. Os visitantes eram livres para vagar, para se perderem no intangível. Aqui, novamente, o que poderia ter sido uma tela em branco tornou-se um espaço feito de água e luz. O pavilhão ainda contava com um bar onde as pessoas podiam ‘beba o prédio’, amostragem de águas engarrafadas de todos os tipos, um lembrete de que o próprio edifício era literalmente feito de água. O Edifício Blur não tinha paredes, ele se dissolvia no clima.
