O design colecionável que conquistou sua maior plataforma na semana de design de Milão nos diz algo significativo sobre o estado atual do design, escreve Debika Ray.
Starchitects pode ter caído em desgraça, mas o designer estrela está de volta em ascensão. Que melhor prova do que o lançamento no Salone del Mobile deste ano de uma exposição de “design colecionável, edições limitadas, antiguidades de design e artesanato criativo de alta qualidade”? Este é o tipo de design que grita “pergunte quem me criou!”
Salone Raritas apresenta expositores como a designer holandesa Sabine Marcelis, a galeria milanesa Nilufar e a marca com sede em Dubai Colecionalgaleria brasileira Mercado Modernoo escritório de arquitetura suíço Herzog & de Meuron e a vidreira italiana Salviati. Esta não é uma feira de arte ou plataforma de vendas ao consumidor: é destinada ao público comercial existente do Salone de desenvolvedores, arquitetos e designers de interiores. Num mundo competitivo, diz a presidente da feira, Maria Porro, esses compradores precisam que os seus projectos hoteleiros e corporativos se destaquem e exigem objectos únicos e com uma história que os ajudem a fazê-lo.
O que valorizamos como design está mudando do útil para o único
O design colecionável não substitui a oferta regular do Salone. No entanto, a sua inclusão na feira de design mais importante do mundo – e a sua ascensão de forma mais ampla – sugere algo sobre este momento. À medida que a produção em massa se tornou moralmente comprometida, o prestígio é agora uma raridade. O que valorizamos como design está mudando do útil para o único.
Salone Raritas não é uma exceção. Nos últimos anos, as feiras de design colecionável expandiram-se (a Collectible lançou uma edição em Nova Iorque em 2024, a Design Miami realizou uma exposição em Seul em 2025 e a PAD London está a atrair uma lista cada vez mais internacional de galerias), enquanto novas, como Matéria e Forma em Paris foram lançados. Feiras de arte, incluindo Feira de Arte da Índia e a Melbourne Art Fair (foto) integraram o design colecionável em seu repertório, e a Alcova – uma plataforma para design experimental – tornou-se um evento imperdível durante a semana de design de Milão.
Enquanto isso, relatórios de ArtTática e o Banco da América sugerem que as vendas de design, mobiliário e artes decorativas cresceram 20 por cento no primeiro semestre de 2025, ultrapassando várias categorias tradicionais de belas artes, e empresas como Sotheby’s, Christie’s e Phillips relataram fortes vendas em leilões de design. A procura está a ser impulsionada, em parte, por pessoas mais jovens e mais preocupadas com o estilo, que procuram pontos de entrada no colecionismo mais acessíveis do que as belas-artes permitem e que procuram trabalhos que correspondam aos seus gostos e identidades. De acordo com o Relatório de Mercado de Arte Art Basel e UBS 2025a geração millennials está liderando o interesse pelo design.
Vale a pena considerar momentaneamente o que significa “design colecionável” – abrangendo tudo, desde peças vintage, protótipos e edições limitadas até peças únicas feitas à mão.
Historicamente, as coisas tendiam a se tornar colecionáveis ao longo do tempo, porque definiam uma época, eram inovadoras e revolucionárias, refletiam o gosto e a política de uma época ou eram o trabalho de um visionário único. O mercado de arte hackeou essa linha do tempo, projetando a colecionabilidade especulativa para obras contemporâneas através de uma dança coreografada entre galerias, feiras, compradores, museus e casas de leilão.
Também na moda, a escassez e o desejo são fabricados por gotas, cápsulas e colaborações de celebridades, enquanto na música os artistas aproveitam os superfãs para obter lucros premium através da monetização da exclusividade. O design contemporâneo ainda não chegou, mas quer chegar.
Não há luxo maior do que conseguir que alguém passe horas construindo habilmente algo para você à mão
O mercado secundário de revenda de obras recentes ainda é incipiente. Até que isso mude, a cobrança precisa ser assumida com confiança. Isto baseia-se, em parte, na narrativa construída em torno de um objeto – nas suas associações culturais, na mitologia que rodeia o designer e na sua identidade, no processo de pensamento que lhe deu origem. E, em parte, baseia-se no valor físico quantificável de um item – o custo dos materiais, o tempo necessário para a sua produção, a complexidade das técnicas envolvidas.
Tudo isso muitas vezes é menos um sinal de valor do que de preço. Os zeros acumulam-se quando algo não é apenas bonito, mas luxuoso – e o luxo hoje deixou de ser a mera opulência. À medida que a ilusão da abundância planetária chega ao fim, o que mais cobiçamos agora é aquilo que é escasso e contestado – tempo, atenção humana, recursos naturais e ligações ao património cultural.
Não há luxo maior do que fazer com que alguém passe horas construindo habilmente algo para você, à mão, com materiais escassos, investindo nisso sua própria identidade pessoal e cultura. É por isso que o design colecionável é tantas vezes definido pela estética do artesanato: as impressões digitais sugerem um toque humano, as imperfeições implicam um processo trabalhoso e os materiais naturais sugerem sustentabilidade.
O artesanato costumava ser marginalizado como algo menor – um passatempo redundante das classes trabalhadoras, das mulheres, dos migrantes, dos povos indígenas e das populações do mundo em desenvolvimento. Agora possui capital cultural, representando uma alternativa ética à ruinosa produção em massa – baseada no conhecimento material, na habilidade e na produção local e em pequena escala.
Tais atributos são cada vez mais raros e, portanto, desejáveis. Mas a valorização do artesanato não significa necessariamente uma maior inclusão para as pessoas que o praticam há muito tempo, nem significa automaticamente uma produção ética e sustentável. Normalmente é o autor individual – o artista-designer – quem colhe a maior parte dos frutos, e não as mãos anónimas cujas práticas tradicionais foram durante muito tempo relegadas ao “artesanato”.
É claro que o design em si não é inerentemente bom ou ruim. No século XX, foi concebido como um veículo para democratizar o acesso à boa vida. Os designers aproveitaram a tecnologia para acelerar o fornecimento eficiente e acessível de objetos funcionais em grande escala, transformando vidas e sociedades. Muitos artefatos daquela época também são considerados colecionáveis.
Para cada Jaime Hayon, Studio Job e Faye Toogood, há centenas que não conseguiram
Entretanto, começámos a compreender que este movimento – sob condições de capitalismo desenfreado – também contribuiu para a catástrofe planetária, uma homogeneização cultural que está a ser exacerbada pela actual vaga de automatização impulsionada pela IA e pela exploração em massa das pessoas. À medida que os problemas que o design desempenhou na criação parecem cada vez mais intransponíveis, a promessa modernista de uma vida melhor para todos está a dissolver-se – mesmo que as práticas e sistemas que implementou persistam.
Não é nenhuma surpresa que o design ocidental esteja buscando refúgio na fabricação de coisas bonitas para poucos. O mercado de objectos escultóricos de elevado valor oferece aos fabricantes a oportunidade de exercitarem os seus músculos criativos, fazerem o seu nome, demonstrarem competências e venderem a sua visão a compradores que possam pagar, em vez de competirem por um número cada vez menor de empregos.
No entanto, isso traz riscos. Não há espaço para um número infinito de objetos únicos e apenas os poucos sortudos que puderem investir nessas carreiras conseguirão capitalizar a raridade. Para cada Jaime Hayon, Studio Job e Faye Toogood, há centenas que não conseguiram.
Ao afastarmo-nos dos métodos antigos, houve uma oportunidade de inverter hierarquias antigas e implementar uma estrutura em que menos objectos são fabricados de forma consciente e ética para satisfazer todas as nossas necessidades de forma acessível, e onde as pessoas comuns em todo o mundo podem ganhar a vida com isso.
Em vez disso, como lamentou William Morris no século XIX, as intratáveis economias do artesanato significam que a cultura do consumo está “a servir o luxo suíno dos ricos”. No momento atual, a ascensão do design colecionável é compreensível, mas pouco contribui para dissipar questões difíceis sobre para quem realmente se destina o design e a quem ele serve agora.
Debika Ray é jornalista de artes e design baseado em Londres. Seus escritos foram publicados no Financial Times, The Guardian, The Independent, Al Jazeera, Wallpaper*, Elle Decoration, Architectural Digest e Kinfolk, entre outros. Anteriormente, ela foi diretora interina do programa Global Design Forum da London Design Biennale, editor da revista Crafts e chefe de editorial e comunicações do UK Crafts Council. Antes disso, ela ocupou cargos de editora na Icon e Disegno. Ela é a fundadora da Clove, uma revista e plataforma online sobre a cultura do sul da Ásia, e da agência criativa associada Clove Press.
A foto é da exposição de design colecionável Futureobject na Melbourne Art Fair 2026.
Este artigo foi escrito originalmente para a revista Dezeen Dispatch na semana de design de Milão de 2026.
