Olafur Eliasson e a mudança da percepção para a participação

30 de março de 2026

olafur eliasson molda a experiência compartilhada por meio da percepção

Olafur Eliasson o trabalho se baseia em uma ideia simples, mas importante: a percepção não é passiva, mas algo que construímos ativamente. Nesta perspectiva, a arte não consiste apenas em criar objectos, mas em criar situações onde as pessoas possam, em conjunto, experienciar e repensar o mundo que as rodeia. O que emerge não é uma visão fixa de um futuro melhor, mas uma condição partilhada moldada através da percepção, participação e responsabilidade.

Um conceito-chave na prática de Eliasson é o que ele descreve como ver a si mesmo vendo. Esta não é apenas uma ideia poética, mas uma forma de conscientizar os espectadores sobre seu próprio papel na percepção. Ao introduzir reflexão e desorientação sutil, seu trabalho cria uma distância no ato de ver, permitindo que as pessoas reconheçam que o que vivenciam não é fixo, mas construído.

No contexto da instabilidade climática, esta atenção torna-se mais urgente. Eliasson sugere frequentemente que o crise climática não é apenas uma questão científica ou política, mas também perceptual. O que parece distante é mais fácil de ignorar. Os seus trabalhos visam, portanto, tornar os processos ambientais imediatos e tangíveis, traduzindo dados abstratos em experiência partilhada. Esta abordagem é claramente expressa em seu projeto recente, Uma sinfonia de sons desaparecidos para o Grande Lago Salgado (2026), apresentado em Salt Lake City até 4 de abril de 2026. A instalação reúne mais de 150 gravações de campo de animais que dependem do lago e as transforma em uma peça sonora composta, acompanhada por projeções de luz em evolução sobre uma grande estrutura esférica.

Em vez de reproduzir a natureza, os sons são reorganizados em ritmos que podem ser percebidos de forma diferente, chamando a atenção para o frágil sistema ao qual pertencem. Aqui, o trabalho passa da observação da natureza para a escuta do que em breve poderá se perder. O foco não está em representar a paisagem, mas em tornar perceptível sua vulnerabilidade por meio das vozes das espécies a ela ligadas. Ouvir torna-se uma forma de consciência, e a consciência é um primeiro passo em direção à responsabilidade. A percepção, neste sentido, torna-se central para a forma como nos envolvemos com o possibilidade de mudança.

experiência incorporada e o espectador desestabilizado

As instalações de Eliasson são concebidas para desafiar a ideia do espectador como um observador passivo. Em vez de apresentar algo para simplesmente olhar, eles exigem que as pessoas se movam, se ajustem e se envolvam ativamente com o ambiente ao seu redor. O espaço não é fixo, mas algo que se desdobra ao longo do tempo, o que significa que a percepção deve ser constantemente reconsiderada.

Em The Weather Project (2003), o Turbine Hall da Tate Modern é transformado em um ambiente amplo e envolvente. Um sol artificial brilhante, combinado com névoa e um teto espelhado, cria um espaço onde os visitantes se tornam parte da própria obra. As pessoas deitam-se no chão, reúnem-se em grupos e interagem umas com as outras. As reflexões acima multiplicam essas interações, tornando todos conscientes de si mesmos e da multidão em geral. A instalação transforma o museu num espaço social partilhado, em vez de um local de observação silenciosa.

Por outro lado, Din blinde passager (2010) remove quase completamente a clareza visual. Os visitantes caminham por um longo corredor repleto de neblina densa e colorida, onde fica difícil enxergar mesmo a uma curta distância à frente. O movimento torna-se incerto e as pessoas têm de confiar nos seus corpos e não na sua visão para navegar. Há um atraso perceptível entre o movimento e a compreensão de onde você está, o que chama a atenção para como a percepção realmente funciona. Através deste tipo de ambientes, Eliasson muda o papel do espectador. Em vez de olhar passivamente para uma obra de arte, as pessoas tornam-se participantes ativos nela. O foco está menos no que está sendo visto e mais em como o próprio ato de ver ocorre e como ele pode mudar.

O projeto meteorológico, 2003 Tate Modern, Londres – 2003 | imagem cortesia de Tate Photography (Andrew Dunkley e Marcus Leith)

o ateliê como local de produção de conhecimento

A escala e a complexidade do trabalho de Eliasson são inseparáveis da estrutura do Studio Olafur Eliasson em Berlim. Funcionando como um laboratório multidisciplinar, o estúdio reúne arquitetos, engenheiros, historiadores, programadores e artesãos num quadro partilhado.

Uma influência fundamental no desenvolvimento do estúdio foi a colaboração de longa data com o falecido arquiteto Einar Thorsteinn, cuja pesquisa em geometria e estruturas espaciais informou muitas das explorações formais de Eliasson. Poliedros, espirais e sistemas não ortogonais surgem como ferramentas perceptivas que desafiam o domínio do espaço retilíneo e introduzem formas alternativas de orientação dentro de um ambiente.

Em Sala Modelo (2023), centenas de estudos físicos, feitos a partir de materiais simples, acumulam-se como forma de pensar no espaço. Esses modelos não são representações de obras acabadas, mas sim participantes ativos no processo de design. Eles permitem que ideias sejam testadas, modificadas e reconfiguradas.

Workshops internos sobre temas que vão da robótica à análise social reforçam o papel do estúdio como ambiente produtor de conhecimento. Esta estrutura permite uma forma de autoria distribuída, onde as ideias circulam entre disciplinas e os projetos evoluem através de contribuições coletivas. O estúdio torna-se um microcosmo do tipo de pensamento interconectado que Eliasson defende em escala global.

Din blinde passager, 2010 Tate Modern, Londres – 2019 | imagem de Anders Sune Berg

alinhando o processo com os valores ambientais

Para Eliasson, sustentabilidade não é algo que possa ser acrescentado ao projeto no final. Está diretamente ligado à forma como o trabalho é feito. Se uma obra de arte fala sobre questões ambientais, mas é produzida de uma forma que contradiz esses valores, então, para ele, existe uma clara desconexão. Por isso, o Studio Olafur Eliasson integra o pensamento ambiental em suas operações cotidianas.

Uma das formas de estruturar isso é por meio do modelo Five Per Cent, onde parte do tempo, orçamento e esforço do estúdio é dedicado especificamente à pesquisa e redução de seu impacto ambiental. Isto afeta decisões práticas, como escolher o frete marítimo em vez do transporte aéreo, mesmo que exija mais tempo e planejamento, ou priorizar as viagens de trem em vez de voar sempre que possível. Essas escolhas inevitavelmente retardam o processo, mas esse ritmo mais lento torna-se parte da forma como o estúdio funciona, e não uma limitação.

Essa abordagem vai além da logística e se estende aos hábitos diários. A mudança do estúdio para uma cozinha totalmente vegana reflete um esforço para alinhar o comportamento coletivo com os objetivos ambientais. Em vez de ver estas mudanças como restrições, Eliasson trata-as como oportunidades para repensar a forma como as coisas são feitas e para desenvolver novas formas de trabalhar.

Nesse sentido, a forma como um projeto é produzido torna-se indissociável daquilo que ele representa. Eliasson muitas vezes se refere a esse alinhamento como sincronicidade, onde os valores por trás de uma obra e o processo de fazê-la se apoiam mutuamente. A obra de arte torna-se parte de um sistema mais amplo que inclui decisões, recursos e seu impacto mais amplo.

Estúdio de Cozinha Olafur Eliasson

expandindo a arte em sistemas e economias

O trabalho de Eliasson frequentemente se expande para áreas como design, infraestrutura e iniciativas sociais. Little Sun (2012), desenvolvido com Frederik Ottesen, aborda a questão da pobreza energética através de produtos movidos a energia solar. O projeto combina design com um modelo de distribuição que ajuda a tornar a energia limpa mais acessível, especialmente em comunidades fora da rede.

O design da lâmpada em si desempenha um papel importante. Em vez de ser puramente funcional, tem uma forma brilhante em forma de flor que o torna visualmente envolvente e acessível. Desta forma, a energia não é apresentada como algo abstrato ou técnico, mas como algo com o qual as pessoas podem se conectar a um nível mais pessoal. Isto reflete o interesse mais amplo de Eliasson pela percepção, mesmo em aplicações práticas do mundo real.

Com o tempo, a Little Sun cresceu além de produtos individuais para sistemas maiores. Isto inclui centros comunitários de energia, especialmente em locais como a Zâmbia, onde são utilizadas tecnologias movidas a energia solar para apoiar a agricultura. Por exemplo, o leite pode ser armazenado e preservado, permitindo aos agricultores aceder a mercados mais vastos e garantir rendimentos mais estáveis. Desta forma, o projeto passa de um objeto único para uma infraestrutura mais ampla que dá suporte à vida cotidiana.

Paralelamente, Eliasson desenvolveu trabalhos como Ice Watch (2014) e The glacier series (1999), que focam nas mudanças climáticas. Estes projetos tornam os dados ambientais mais tangíveis, transformando-os em algo que as pessoas podem experimentar diretamente. Seja trazendo o derretimento do gelo para os centros das cidades ou mostrando comparações fotográficas de geleiras ao longo do tempo, eles ajudam a preencher a lacuna entre informações distantes e compreensão imediata. As alterações climáticas, neste contexto, tornam-se algo visível, físico e mais difícil de ignorar.

Pequeno Sol, 2012 Adis Abeba, 2012 | imagem de Terhas Berhe

arquitetura, espaço público e o mundo global

Através do Studio Other Spaces, cofundado com o arquiteto Sebastian Behmanas, bem como de suas colaborações com organizações internacionais, Eliasson expande seu trabalho para a arquitetura e plataformas públicas maiores. Nestes projetos, os edifícios e as infraestruturas não são apenas concebidos para funcionar, mas também para moldar a forma como as pessoas experienciam e se relacionam com o espaço.

Fjordenhus em Vejle é um bom exemplo desta abordagem. O edifício surge diretamente da água e é definido por uma combinação de formas curvas, luz variável e materiais cuidadosamente detalhados. O seu piso térreo é aberto ao público, o que desafia a típica separação entre espaço privado e público. Em vez de ser apenas um edifício de escritórios, também funciona como um lugar por onde as pessoas podem circular, explorar e experimentar.

Cirkelbroen, em Copenhague, adota uma abordagem semelhante em menor escala. A ponte é composta por uma série de plataformas circulares, que naturalmente atrasam as pessoas ao atravessarem. Em vez de simplesmente mover-se de um lado para o outro, os visitantes são incentivados a fazer uma pausa, olhar ao redor e interagir com outras pessoas. Desta forma, a ponte torna-se mais do que uma infraestrutura, torna-se um espaço de interação social quotidiana. O trabalho de Eliasson também se estende além do espaço físico para iniciativas globais.

Através do seu papel no Programa de Desenvolvimento das Nações Unidas e em projetos como UN Live e EarthSpeakr, ele explora como a arte e a tecnologia podem criar conexões entre pessoas em diferentes partes do mundo. Estas plataformas centram-se na participação, proporcionando aos indivíduos formas de se envolverem com questões globais e entre si. Em todos estes projetos, a abordagem permanece consistente. Eliasson está menos interessado em fornecer respostas claras e mais focado em conscientizar as pessoas sobre como elas vivenciam o mundo. Ao mudar a percepção, mesmo que de forma pequena, o seu trabalho cria a possibilidade para as pessoas pensarem e agirem de forma diferente.

ce Watch, 2014 Bankside, fora da Tate Modern, Londres, 2018 | imagem de Justin Sutcliffe